En el barroco la arquitectura va, frecuentemente, unida al urbanismo. Los edificios más representativos son los civiles, con interiores recargados de decoración, plantas complicadas y originales soluciones para las cubiertas. Emplea el orden gigante.
La ciudad se vuelve escenográfica. Es el escenario del teatro de la vida. Se crean perspectivas visuales sobre un punto de referencia, pero, también, lugares singulares, plazas y rincones acogedores. Todo ello es un reflejo del poder, ya sea este civil o religioso.
El palacio es el típico edificio de vivienda urbana para las familias poderosas. Se caracteriza por sus fachadas dinámicas, con curvas y contracurvas, y el juego de luces y sombras, en los que se resaltan las piezas principales.
También se crean jardines. Hay un gusto por la belleza de la naturaleza mejorada y ordenada del típico jardín francés.
El hotel es un tipo de vivienda unifamiliar exenta y rodeada de jardines, cerrada con una valla, que triunfa en esta época entre laburguesía y las clases privilegiadas. Es la típica vivienda burguesa. Suele haber varias en la misma calle, con características similares.
El templo es el lugar del sermón y la eucaristía. Se trata de un sitio de representación teatral, por lo que debe tener una buena visibilidad y una buena acústica. Se impone el espacio unitario que los jesuitas, defensores de la Contrarreforma, emplearon en el Gesú, una planta de cruz latina con un gran crucero cubierto por una cúpula. Este es un espacio didáctico, la iluminación va dirigida, a través de una cúpula, hacia la zona de debajo del retablo, el cual tiene un programa iconográfico doctrinal, muy recargado, en el que se manifiesta todo el poder y la riqueza de la orden y la Iglesia.
Existe una nueva concepción del espacio, las plantas adoptan formas caprichosas, en movimiento, los edificios se cargan de una decoración que invade todos los rincones. Los edificios muestran la inclinación al lujo y la riqueza.
Italia
Tras la hegemonía cultural que tuvo Venecia después del saqueo de Roma en 1527, esta ciudad vuelve a recuperar todo su esplendor.Roma es lugar de peregrinación, el centro del papado y la Contrarreforma, y el lugar donde se crea la nueva estética, y las bases del urbanismo moderno y racional. Esta vez, Italia es sinónimo de Roma. Las fachadas se hacen onduladas y ricas en esculturas. En Roma trabajan los más grandes arquitectos del Barroco. En el período de transición se distingue a Carlo Maderna, que destaca por sus edificios religiosos como Santa Susana, Santa María de la Victoria, y concluye la basílica de San Pedro del Vaticano, y a Giacomo della Porta, sucesor de Vignola, que hizo la fachada del Gesú. Maderna es el primer escultor que defiende los ideales del barroco.
En el barroco pleno encontramos a los arquitectos más conocidos: Gian Lorenzo Bernini, es el gran arquitecto del barroco, uno de los genios del arte universal. Es uno de los formuladores del lenguaje barroco. Diseñala columnata de San Pedro del Vaticano, y el baldaquino donde sitúa un nuevo tipo de columna, las columnas salomónicas del altar. Utiliza multitud de puntos de vista, la plantacentral, principalmente de cruz griega, circular u oval. Construye, también, San Andrés del Quirinal, donde demuestra su gusto por loscontrastes, entre otra muchas obras. Francesco Borromini es otro de los grandes arquitectos de la historia del arte. Borromini rompe todas las reglas del clasicismo. Concibe toda la obra como una gran escultura, ondula los entablamentos y las cornisas, e inventa nuevas formas para los capiteles. Sus plantas son más dinámicas, y sus fachadas también. Sin embargo, sus obras son de pequeño tamaño, ya que Bernini era el arquitecto oficial. Construyó San Ivo, La sapiencia, San Carlos de las cuatro fuentes, el Oratorio de san Felipe Neri, palacio Barberini, etc. Guarino Guarini, es otro de los grandes arquitectos del período. Sus formas se inspiran en el gótico y en el mudéjar. Trabaja, sobre todo, en Turín donde realiza obras como la iglesia de San Lorenzo, con una bóveda al estilo cordobés, el palacio Carignano y la capilla del Santo Sudario. Baltasar Longhena, que trabaja en Venecia, donde construye Santa María de la Salud y el palacio Pésaro. Pietro di Cortona, discípulo de Bernini, que tiene un lenguaje más sereno. Construye la iglesia de los santos Lucas y Martín, y las fachadas de Santa María de la Paz y de Santa María in vía Lata. Otros arquitectos son Carlo Rainaldi: San Andrea della valle,Martino Lunghi el Joven: iglesia de los santos Vicente y Anastasio.
En el siglo XVIII el barroco evoluciona en dos direcciones. Por un lado existe un retorno a la simplicidad del siglo XVI, que prepara el neoclásico, y por otro se evoluciona hacia la exuberancia decorativa del rococó. En esta época destacan Bernardo Vittone, que trabaja en Turín. Es el iniciador de los excesos decorativos del rococó. Ejemplo de su arquitectura es la capilla de Vallinoto, y la iglesia de las Clarisas de Bra. Ferdinando Fuga, trabaja en Nápoles, de estilo rococó, antes de ser representante del neoclasicismo; factoría de porcelana de Capodimonte. Luigi Vanvitelli, que trabaja en Nápoles y Sicilia, que en aquella época pertenecían a la corona española:palacio de Caserta, iglesia de Vanvitelli en Nápoles. Fillippo Juvara, el mejor representante del barroco tardío y sereno. Es un auténticoprecursor del neoclasicismo. Entre sus obras destacan la fachada del palacio Madama, en Turín, palacio de caza de los Stupinigi. YBenedeto Alfieri, discípulo de Juvara, palacio real de Turín.
Escultura barroca en Italia
Características de la escultura barroca
Las características de la escultura barroca en Italia son:
Naturalismo
Se pretende representar las cosas tal como son. Ello aleja al barroco del clasicismo-idealismo y nos acerca a al representación de los sentimientos.
Dinamismo
se da mucha importancia al movimiento. Para representar este movimiento se recurre a estructuras diagonales y a líneas curvas sinuosas.
Contrastes lumínicos
Importancia de la representación de las calidades de los objetos.
Los materiales empleados en la escultura barroca en Italia son preferentemente el bronce y el mármol.
En cuanto a los temas tratados, predominan muy especialmente los religiosos, aunque también hay temas mitológicos y retratos.
Bernini es el representante más importante de la escultura barroca italiana. Fue un escultor magnífico cuya obra estuvo marcada por las características generales del barroco italiano que se citaron anteriormente.
Las obras más importantes de Bernini son:
Apolo y Dafne.
Bernini representa a los dos personajes jóvenes y bellos en el momento en que Apolo toca a Dafne en su persecución y se convierte en árbol. Se trata de una obra muy dinámica.
El Éxtasis de Santa Teresa.
En esta famosa obra de Bernini, se recoge el dramático momento en que Santa Teresa pierde su conciencia como consecuencia de éxtasis amoroso (ojos cerrados, boca entreabierta...) producido por la llama divina.
Otras de las obras de Bernini son Los Longinos, escultura de línea abierta y acusado movimiento.
Este escultor también realizó sepulcros, como el sepulcro de Urbano VIII y Alejandro VII. Se exalta el poder de los Papas y de la Iglesia. Es una obra de bronce y mármol de línea abierta.
Bernini también realiza fuentes para embellecer Roma, como laFuente de los cuatro ríos (Plaza Navonna) en que los ríos se representan alegóricamente con personas y la Fuente del Tritón.
La pintura italiana de la época trata de romper con las formas del manierismo, ya mal vistas. Los encargados fueron dos bandos bien diferenciados; por un lado el pintor Caravaggio, y por el otro lado los hermanos Carracci (Ludovico, Agostino y Annibale).
El naturalismo, del que Caravaggio es el mejor representante, trata temas de la vida cotidiana, con imágenes tétricas usando efectos de luz. Los claroscuros procuran dar intensidad y viveza. Se rehúyen de los ideales de belleza, mostrando la realidad tal como es, sin artificios. Una buena parte de los pintores de la época cultivaron el Caravaggismo
Por otra parte, los Carracci forman el llamado clasicismo. Los temas a plasmar son inspirados de la cultura greco-latina, con seres mitológicos. Los autores del siglo XVI, como Rafael y Miguel Ángel, son fuertes influencias. El color es suave, al igual que la luz, y se pintan frescos en techos.
Ambas tendencias dejaron secuela y sirvieron para renovar los escenarios pictóricos. La presencia de Rubens, otro genio del barroco, enGénova, se ve reflejada en las obras del lugar.
La arquitectura barroca busca constantemente el movimiento, que se consigue con fachadas ondulantes, columnas salomónicas, balcones y tribunas que combinan curvas, entrantes y salientes.
Las plantas son centralizadas. Pueden ser elípticas, ovales y, en general, de formas geométricas.
Las columnas se utilizan tanto para decorar fachadas como para producir efecto de perspectiva. Se suelen combinar con pilastras.
La sensación de movimiento en las paredes se logra con laalternancia de elementos rectos y curvos, con entrantes y salientes, alternancia de paredes cóncavas y convexas, de superficies onduladas.
Hay remates en las portadas, volutas, techos abovedados con complejos esquemas geométricos.
En las fachadas se utilizan órdenes colosales acoplados o superpuestos.
Los edificios tienen una abundante decoración en el interior. Suelen tener atrios y escaleras.
Las iglesias suponen el triunfo de la fe sobre la herejía protestante.
Todo está decorado con gran suntuosidad, para glorificar a Dios.
Hay gran variedad de plantas:
La planta basilical es la más frecuente. Tiene una sola nave, con capillas laterales, un simple ábside y cúpula sobre crucero. Así se logra el acercamiento de los fieles al púlpito.
Los grandes templos prefieren el esquema longitudinal o de cruz latina, con un centro marcado con una cúpula.
Las iglesias de pequeño tamaño tienen plantas centralizadas, que pueden tener formas ovales, elípticas, circulares o cruciformes.
La fachada de la iglesia se integra en el espacio público.
Suelen aprovechar los desniveles del terreno para construir las monumentales escaleras típicas del barroco.
El prototipo urbanístico del barroco surgió en Roma, con las propuestas de Sixto V, que Domenico Fontana puso en práctica. Son calles anchas y rectas que conducían a los lugares santos de la ciudad, uniendo las grandes basílicas de Roma.
También intervino en Roma Gian Lorenzo Bernini, que construyó la plaza de San Pedro (1.656-1.667).
PINTURA
La pintura barroca italiana se desarrolló desde finales del siglo XVI y a lo largo de todo el XVII. Precisamente el Barroco, como estilo artístico diferenciado delclasicismo y su epígono el manierismo, nació en Italia, concretamente en Roma. No obstante, luego se desarrollaron escuelas nacionales como la española o la holandesa. Dos son los principales movimientos artísticos, el tenebristaCaravagismo y la el clasicismo romano-boloñés. La pintura barroca italiana se convirtió, como el resto del arte barroco, en un instrumento de la Iglesia Católica al servicio de la Contrarreforma, de manera que los pintores se convirtieron, gracias a sus obras, en un intermediario necesario para alcanzar con eficacia el ánimo de los fieles.
El arte era el medio a través del cual la Iglesia católica triunfante persuadía a los herejes, los dudosos, y conseguía mantener la presión protestante más allá de las fronteras italianas. Para lograr este ambicioso objetivo, el arte debía tener capacidad para seducir, conmover, conquistar el gusto, no ya a través de la armonía del Renacimiento sino mediante la expresión de emocionesfuertes. Ciertamente, el Barroco es el estilo de la Contrarreforma en el sentido de que este movimiento católico lo usó para propagar sus ideas, pero no puede ignorarse que se cultivó igualmente en países protestantes (las Provincias Unidas, destacadamente).
La fascinación visceral del estilo barroco deriva de una implicación directa de los sentidos. En la pintura barroca no se apelaba al intelecto ni a la sutileza refinada del manierismo, el nuevo lenguaje apuntaba directamente al estómago, a las vísceras, a los sentimientos del observador, o dicho con mayor exactitud, del espectador. Se empleaba una iconografía lo más directa posible, simple, obvia, pero al mismo tiempo teatral.
La pintura italiana de la época trata de romper con las formas del manierismo, ya mal vistas. Y lo hace con dos tendencias a su vez opuestas entre sí, el naturalismo y el clasicismo.
ARTISTAS Y OBRAS
Michelangelo Merisi nace en Caravaggio. Quedó huérfano muy joven, por ello abandona su hogar para ir a Milán. Allí pasó dificultades, pero esto no le impidió el ir abriéndose paso en el campo de la pintura. Hacia 1589-1590 se traslada a Roma, aquí pasó verdaderas calamidades hasta que en 1594 entró en uno de los mejores talleres, el taller del Cavalier d´Arpino, el favorito de la curia papal. Su situación comenzó a mejorar considerablemente. El taller estaba especializado en la pintura de bodegones. Se sabe que Caravaggio permaneció unos 8 meses con el Cavalier d´Arpino, pero luego montó su propio taller. Allí siguió realizando pintura profana de pequeño formato que vendía gracias a un marchante que tenía un negocio próximo a San Luis de los Franceses. El cardenal del Monte ve por primera vez las obras de Caravaggio, quedando sumamente impresionado. Como consecuencia, el cardenal se convierte en el protector de Caravaggio, produciéndose así un cambio trascendental en la carrera del pintor. Entre 1595 y 1596 Caravaggio se traslada a vivir al palacio Madama, residencia del cardenal. A partir de entonces le lloverán los encargos, algunos de la talla de los demandados para decorar San Luis de los Franceses.
No todo fue un camino de rosas en la vida de Caravaggio. Pronto las envidias de otros pintores comienzan a acecharle. Esto unido a su carácter irascible hizo que tuviera que comparecer en varios procesos. Un homicidio le obligó a huir a Génova, después volvería a Roma con el apoyo de sus protectores, pero pronto sería desterrado de la ciudad por un nuevo homicidio. A partir de entonces lleva una vida errante por diversos puntos de la geografía italiana: Nápoles, Malta, Sicilia, Mesina, Palermo... . A los 37 años muere en 1610 en Porto Ercole.
No todo fue un camino de rosas en la vida de Caravaggio. Pronto las envidias de otros pintores comienzan a acecharle. Esto unido a su carácter irascible hizo que tuviera que comparecer en varios procesos. Un homicidio le obligó a huir a Génova, después volvería a Roma con el apoyo de sus protectores, pero pronto sería desterrado de la ciudad por un nuevo homicidio. A partir de entonces lleva una vida errante por diversos puntos de la geografía italiana: Nápoles, Malta, Sicilia, Mesina, Palermo... . A los 37 años muere en 1610 en Porto Ercole.
Caravaggio, La vocación de San Mateo, 1599-1600, óleo sobre lienzo, capilla Contarelli, San Luis de los Franceses, Roma.
Esta obra de Caravaggio es un gran manifiesto del tenebrismo en el panorama pictórico universal. La luz aporta potencia dramática y simbólica. Podemos hablar de una luz dual. Por un lado, es una luz apta para representar la realidad física y, por otro, para representar el rayo divino. La luz parece entrar con Cristo, la diagonal de su mano se corresponde con la del haz de luz que proviene del ángulo superior derecho. El espacio responde al interior de una taberna, lo que contribuye a potenciar el claroscuro.
Se ha captado el momento más dramático de la acción. Cristo extiende su mano para señalar a Mateo, quien a su vez se señala como sorprendido. Así, se establece una continuidad y comunicación entre gestos, recurso netamente barroco. Se trata de reflejar la duda de Mateo. Él tiene que decidir entre seguir su vida anterior como cobrador de tributos o su vida futura como seguidor de Jesús.
A nuestra izquierda, aparecen los personajes vestidos a la moda del siglo XVI. Esto contribuye a hacer más creíble el hecho del milagro. Cualquier momento es válido para que acontezca el milagro. A Caravaggio siempre le gustó humanizar los contenidos religiosos.
Se ha hablado de composición de lugar, en ella los personajes divergen en reacciones: los personajes más cercanos a Jesús y Pedro son conscientes del milagro, mientras, los demás permanecen absortos en su tarea de contar las monedas.
Se ha captado el momento más dramático de la acción. Cristo extiende su mano para señalar a Mateo, quien a su vez se señala como sorprendido. Así, se establece una continuidad y comunicación entre gestos, recurso netamente barroco. Se trata de reflejar la duda de Mateo. Él tiene que decidir entre seguir su vida anterior como cobrador de tributos o su vida futura como seguidor de Jesús.
A nuestra izquierda, aparecen los personajes vestidos a la moda del siglo XVI. Esto contribuye a hacer más creíble el hecho del milagro. Cualquier momento es válido para que acontezca el milagro. A Caravaggio siempre le gustó humanizar los contenidos religiosos.
Se ha hablado de composición de lugar, en ella los personajes divergen en reacciones: los personajes más cercanos a Jesús y Pedro son conscientes del milagro, mientras, los demás permanecen absortos en su tarea de contar las monedas.
Annibale Carracci, Venus, Adonis y Cupido,
c.1590-1595, Museo del Prado, Madrid.
c.1590-1595, Museo del Prado, Madrid.
| Gran parte de la producción de Annibale Carracci es de temática mitológica. El tema de Venus, Adonis y Cupido, ya fue representado por Tiziano. La mitología siempre se presta más al estilo clásico que a cualquier otro. Las figuras aparecen en primer plano, detrás contemplamos el paisaje compuesto por un sabio juego de luces y sombras. Venus es de gran belleza, la blancura de sus carnes y la delicadeza de su piel es casi táctil. Desde el Renacimiento, se busca el exaltar la belleza de los cuerpos, tanto femeninos como masculinos. De ahí que el desnudo cobre tanta importancia. Cupido señala un pecho de Venus, al mismo tiempo, nos mira con ironía como si quisiera comunicarnos que acaba de herir a la diosa con una flecha de amor. El que las figuras representadas en la pintura apelen a la atención del espectador es un recurso muy habitual en el Barroco. En la composición se establece un hábil juego de diagonales para dar la sensación de espacio y movimiento. Éste se potencia por la actitud de Adonis, que intenta huir de los brazos amorosos de Venus. Los paños son de abundantes pliegues, lo que contribuye a subrayar aún más el movimiento. |
Guido Reni, Hipomenes y Atalanta,c.1612,
óleo sobre lienzo, 206 x 297 cm, Museo del Prado, Madrid.
óleo sobre lienzo, 206 x 297 cm, Museo del Prado, Madrid.
Guido Reni es famoso por la sutileza con que representa historias mitológicas y religiosas. Recibió una primera formación con Domenichino y Albani en el taller del pintor flamenco Denis Calvaert. En 1593 ingresa en laAcademia del Dibujo y del Natural fundada por los Carracci. Este es el motivo por el que en su pintura se da un marcado clasicismo.
Entre 1600-1614 trabaja en Roma, allí estudia la obra de Rafael yCaravaggio. Después volvería a Bolonia para fundar su propia academia
Entre 1600-1614 trabaja en Roma, allí estudia la obra de Rafael yCaravaggio. Después volvería a Bolonia para fundar su propia academia
Domenichino, La dama y el unicornio, c. 1602, fresco, Palacio Farnese, Roma.
