Introducción
La aportación francesa a la época del barroco se puede dividir en tres etapas, la primera es la fase de iniciación establecida por artistas como Nicolás Poussin, Alphonse Du Fresnoy, Roland Fréart de Chambray y Abraham Bosse, cuyos estilos fueron muy variados y sólo coincidían en las fechas (1648-1667).
Esta etapa inició con la fundación de La academia y los autores representativos no fueron muy influyentes en “la formación del pensamiento académico francés” Poussin se revela como el modelo ideal, pero la falta de escritos de su parte limitan su papel.
Chambray se caracteriza por su excesivo clasicismo y antimanierismo, que fue quedando de lado por hacer demasiado énfasis en lo antiguo. Bosse esperaba crear una doctrina académica basándose en la geometría y la perspectiva.
El clasicismo francés se estableció gracias a las instituciones que tenían la facilidad de establecer una homogeneidad de estilo, Le brun buscaba la ortodoxia académica, creía que el clasicismo se debía de basar en el contenido literario y el buen gusto, no sólo en la técnica.
Las otras dos etapas fueron de 1667 hasta 1710, cuando ocurre formación y crisis del pensamiento académico y finalmente, la tercera etapa ocurre desde 1710 hasta que se consolidó el estilo neoclásico.
Se deseaba que el estilo francés fuera independiente del italiano, asunto que se vio venir tras los fallidos proyectos de Bernini en Paris. Le brun se vuelve la autoridad imperante aunque nunca escribió ningún tratado sobre arte.
Durante la afirmación de la escuela francesa, condujo a una polémica que causó gran revuelo, se trató de la discusión entre los que daban prioridad al diseño, o poussinistas contra los coloristas o rubensistas. Los segundos eran liderados por Roger de Pires, cuyo grupo fue el victorioso al final, mientras que la doctrina académica y estricta de Le brun entró en crisis. Más adelante se hablará de nuevo sobre éste conflicto.
Francia tuvo una relación compleja con el barroco, ya que a pesar de dar impulso a ciertos principios como “el marco del ceremonial monárquico y el del arte de vivir”, también trató de rescatar los valores y normas clásicos impuestos por los maestros del renacimiento. Las cuales prolongó mediante la arquitectura y la pintura. Mientras que con la decoración, participó en el crecimiento del barroco.
Llamado por los franceses estilo Luis XVI o estilo clásico. Durante esa época a finales del siglo XVII, el absolutismo, convirtió a Francia en la nación más poderosa de Europa. Paris se transformó en la capital del arte.
El estilo Luis XIV “refleja el arte barroco italiano”[3] con muchas modificaciones. El humanismo francés frenó el avance del barroco y lo modificó, fue apenas a finales del siglo cuando las obras de Rubens, por ejemplo, influyeron en el arte francés, en 1620 aún se estaba asimilando el barroco temprano.
2. Pintura
2.1 Características
Los pintores más importantes trabajaron en Italia, tenemos a Nicolas Poussin y a Claude Lorraine.
El estilo llamado oficial en Francia fue creado por Simon Vouet (1590-1647) que trajo de Roma las bases dela composición de temas mitológicos y religiosos, al arte francés que permanecía en el manierismo, el cual sigue siendo usado por artistas como François Perrier y Claude Vignon, mientras que Jacques Blanchard y Laurent dela Hire se adaptan al nuevo estilo.
Vouet, La Riqueza, segundo cuarto del siglo XVII, óleo sobre lienzo, 170 x 124 cm
Durante el gobierno de Luis XIV, se instituyó en Francia una especie de orden y normatividad para la pintura, producto del pensamiento racionalista y el “sentido de orden y jerarquía”[4]. Éstas leyes se difunden a través de la recién fundad Academia de Pintura y escultura (1548, oficial en 1663). En esta academia, se logró enseñar arte de manera muy sistemática y ordenada, se les inculcaba a los alumnos las tres fuentes de inspiración para su arte que serían los clásicos (Grecia y Roma), Rafael y sus seguidores y finalmente Poussin que se caracterizaba por su orden y armonía. De este modo, se creó todo un estilo destinado a engalanar el reinado de Luis XIV, el director de ésta academia y quien trabajó de manera espléndida para el rey fue Le Brun, sin embargo, a pesar de enseñarse la admiración por la obra de Poussin, las pinturas creadas tenían una gran sensación de adorno más que de “solemne austeridad”
El italiano Caravaggio contribuyó a que el arte Francés regresara a ser popular como lo había sido en la Edad Media, se vio a la gente común como una fuente de “fuerzas elementales del alma”.
La pintura tuvo solamente un papel decorativo.
Los artistas Hyacin-the Rigaud (1659-1743) y Nicolás de Largillierre retratan “conforme a la estética y ética de la época” tal como el rey dio pauta, de forma majestuosa y mostrando el poder con el que esté investido.
Sin embargo, los artistas que se mantuvieron fuera del estilo oficial, son los que contribuyeron de forma más creativa. Se encuentran dos ramas, la realista y la clásica.
2.2 Clasicismo francés
Fundada por Poussin y Claude Lorrain, al estar fuera de la corte buscaron inspiración en la antigüedad clásica en Roma.
2.2.1 Nicolas Poussin (1594-1665)
Primer pintor francés “que alcanzó fama internacional” fue un artista que contribuyó a la victoria del clasicismo. Empleaba “dibujos precisos y colores claros”, para dar una mayor definición a sus figuras[9]. La mayor parte de su vida la pasó en Roma, a donde llegó en 1624 y en sus obras se observa su respeto por la antigüedad clásica. Sus temas fueron predominantemente de la historia de ésta.
Admiraba el arte clásico en Roma, especialmente el estado anímico, sereno y tranquilo. Trató de reflejar ésta sensación por ejemplo en “La Sagrada Familia en las escaleras” (1648, óleo sobre lienzo).
La Sagrada familia o La Madonna de la Escalera
Autor:Nicolas Poussin
Fecha:1648
Museo:Museo de Cleveland
Características:72 x 104 cm.
Material:Oleo sobre lienzo
Estilo:Barroco Francés
Ésta es una obra serena y llena de tranquilidad, donde, sin embargo, todo está controlado y nada es dejado al azar, las figuras tienen un orden triangular y la arquitectura se complementa con ellas y visceversa. De esta forma “las figuras casi asumen la grandiosidad y permanencia”[10] de los edificios circundantes.
Se basó directamente en el estilo clásico del renacimiento italiano, sin pasar por el barroco boloñés. Enlazó el estilo barroco italiano con el francés.
Se inspiró en la obra de Tiziano en un principio y posteriormente tiene influencia de Rafael en cuanto a “una concepción más intelectual”. Se vale de la forma para plasmar la idea, y se salva de caer en un racionalismo excesivo al comenzar a preferir los paisajes a partir de 1648. Asocia a la naturaleza con lo humanista y la “integra en una unidad intelectual “ Asocia lo poético, moral, religioso, histórico, filosófico y mitológico con la naturaleza.(Bacanales, Imperio de Flora/Los Siete Sacramentos/Eel maná P/olifemo 1649/San Mateo y el Ángel/Funerales de Foción/Diógenes/Orfeo, etc.)
Autorretrato, 1649, óleo sobre lienzo
Poussin sacrificó “las cualidades venecianas” para lograr una dura disciplina intelectual. Él creía que la pintura debía mostrar los hechos o sucesos de una forma perfecta, seria y ordenada. Sus figuras muestran seres idealizados con cuerpos bellos. Son cuadros “llenos de movimiento y exuberancia” la energía fluye de manera circular.
Para éste pintor, la forma y composición eran más importantes que los colores brillantes, los cuales consideraba como triviales.
El artista debe “buscar lo general y lo típico”. En la obra los personajes deben dejar leer al espectador las emociones y luego relacionarlas con el evento.
Poussin relacionó arte y literatura de forma absoluta y sobre explícita. Incluso en sus paisajes, todo lo representaba de una manera ordenada y precisa, lo cual en la obra “Paisaje con el entierro de Foecio” (1648, óleo sobre lienzo1.78x1.19) provoca un efecto sombrío que encaja perfectamente con el tema de la pintura.
Podemos apreciar cómo evolucionó su estilo al comparar dos de sus obras:
1. En Céfalo y Aurora (1630, 90x129 cm.) se observa un estilo que recuerda al de Tiziano, donde se “representa la antigüedad como un mundo poético”[16]. Como sus temas preferidos trataban sobre amor frustrado, tiene cierto dejo de melancolía.
2. El rapto de las sabinas (1636-1637), en éste se observa cómo las figuras están congeladas como estatuas, de hecho provienen de las esculturas helenísticas. Poussin plasmó arquitectura romana en el fondo tratando de ser lo más exacto posible. A pesar de que las figuras muestran gestos llenos de emociones como terror, miedo, ira, todo está tan planeado que la falta de espontaneidad causa poco efecto en el espectador. Se podría decir que ahora se inspiró en Rafael, pero pasando por el estilo de Carracci.
2.2.2 Charles le Brun (1619-1690)
Poussin impactó en gran medida a éste pintor, tras vivir en Roma de 1642-1645 tiene una gran influencia durante Luis XVI, ya que demostró tener la suficiente capacidad para realizar grandes proyectos. (Luis XIV visitando la manufactura de los Gobelinos el 15 de octubre de 1667/ La Galería de los espejos 1678-1684). Le Brun participó en todas las facetas del arte, escultura, arquitectura, tapicería, etc. Su arte es declamatorio y meticuloso, “próximo a la retórica de lo Carraci”[17]. (Triunfo de Alejandro Magno, 1670-1682, tapiz) En esta obra a pesar de la gran cantidad de figuras, todos los movimientos son demasiado calculados, hecho que causa que su obra así como la de otros artistas de éste estilo “nos resulte insípida”
2.2.4 Claude Gelée (Lorrain) (1600-1682)
Inspirado en los pintores venecianos utilizó el color y la luz unificándolos.
Se dedicó de manera exclusiva a paisaje, con un centro enfocado en la distancia difusa, con tenue luz y neblina. los pintores flamencos residentes en Roma como Elsheimer y Paul Bril, tienen una gran influencia en el. Creó un mundo de ensueño lleno de luz difusa como en “Embarque de Santa Paula en Ostia” (1639-1640, óleo sobre lienzo). Su estilo prevaleció como clásico durante muchos años.
Puso en relieve los “aspectos idílicos”[19] del paisaje, pasó en Roma gran parte de su vida, hizo varios bocetos y dibujos. Trata de evocar los ecos de la Antigüedad y “el espacio retrocede serenamente”[20]. En sus obras se observa “una atmósfera luminosa niebla matinal o de crepúsculos vespertinos”
Algunas de sus obras son Vista de la Campaña (1650, acuarela), pastoral (1650, cobre), paisaje con la boda de Isaac y rebeca (1648, óleo sobre lienzo)
Tanto él como Poussin, realizaban bocetos a lápiz o a sepia de los paisajes que luego utilizaban para sus composiciones, en las cuales trataban de lograr un equilibrio en cada elemento del cuadro, entre los árboles, el agua, el primer plano, el fondo, las líneas horizontales, verticales y diagonales.
Faltan líneas curvas que estaban presentes en las obras de Rubens y en los paisajes de Flandes. Asimismo, se muestra un “ambiente intemporal”[22] que daba lugar a escenas de la biblia o mitológicas, aunque las figuras que aparecen en ellas pasan a un segundo plano en comparación con el paisaje. Personas comunes y corrientes no tiene cabida en estos mundos soñados, aparecen a veces pastores y campesinos pero idealizados a la forma clásica. A éste tipo de paisaje se le denomina pastoral.
“Embarque de Santa Paula en Ostia” (1639-1640, óleo sobre lienzo)
2.2.5 Georges de la Tour (1593-1652)
Artista orientado hacia el estilo de Caravaggio, ya que en sus obras como “José Carpintero” (1645, 97x65 cm.) la escena podría pasar por costumbrista pero uno es capaz de apreciar en la obra un gran espíritu religioso. La simplicidad de las formas recuerda el estilo de Geerlen (La Natividad)
Utilizó profusamente alumbrados nocturnos y se valió de la gente para representar temas sacros. Sus cuadros están llenos de misticismo.
2.2.6 Temas cotidianos
Le Nain Antoine, Louis y Mathieu, representaron la vida rústica dotándola de una simple gravedad. Con un “elevado sentido de la dignidad humana”[23].
2.2.6.1 Le Nain
Existieron tres hermanos pintores con éste apellido, Antoine, Louis y Mathieu, trabajaban juntos es un solo taller y se dice comúnmente que colaboraban en la misma pintura, todo esto ha hecho difícil saber la autoría exacta de las pinturas atribuidas a Le Nain.
Se observa en su obra “Familia campesina” (1640 1.13x1.58) una re semblanza con las pinturas neerlandesas de género costumbrista. Aunque sin la sátira que les caracterizaba. Más bien es una obra llena de solemnidad, Le Nain les comunica una dignidad humana.
La muestra de Gersaint 1720
Guillot se inspiró en la comedia italiana que reapareció en 1716 tras ser prohibida por Luis XIV (El Mezzetino/ Columbina/ Fiestas galantes), en éste último retrata escenas románticas en un paisaje.
Durante el siglo XVIII la pintura tiende en su mayor parte a la decoración, que presenta el lado amable de la vida Surgen dos corrientes:
Watteau y sus seguidores Jean Baptiste Pater 1696-1736, y Nicolás lancret (1690-1745) que “convierten las fiestas galantes en motivos decorativos”[26]
[pic]
Watteau, canción de amor, 1717
La manera italiana representando escenas mitológicas o históricas, es proseguida por Jean François de Troy 1679-1752, François Lemoyne 1688-1737, Charles Coypel 1649-1752 y principalmente por François Boucher 1703-1770. Manejan la historia de manera operística que se deja influenciar por el rococó.
3. Escultura
“Queda limitada por las normas clásicas”[27] los artistas más importantes son Girardon (1628-1715), Sarazin (1588-1660) y Coyseoux tienen un diseño “frío y elegante”[28]. El creador con un estilo más barroco fue Pierre Pouget (1620-1694)
3.1 Bustos
Encontramos obras de Bernini, como el Busto de Luis XIV (1605) en su trabajo se observa un brío que corresponde al nivel social y el carácter de la persona retratada. El busto de Luis XIV muestra la autoritdad y arrogancia del monarca. Hay puntos de luz y profundas sombras en los bucles de cabello. Elementos como la armadura contrarrestan la suavidad de los rasgos para darle un porte regio.
Bernini, Busto de Luis XIV, 1605
El afamado artista italiano, en Francia fue comisionado para realizar la estatua ecuestre de Luis XIV, mostrándolo dinámico y con ropajes antiguos, sin embargo, al igual que con sus proyectos arquitectónicos, fue rechazado por el rey, ya que éste creyó que no garantizaba su dignidad. Posteriormente se realizaron muchas estatuas que mostraban la grandeza del rey, sin embargo fueron destruidas durante la Revolución Francesa.
Girardon, Busto de Nicolás Boileau,
3.2 Girardon
Realizó una de las estatuas ecuestres (1687), así como muchas esculturas de Versailles. En la obra que representa al rey, se observa una adaptación de la estatua de Marco Aurelio. Asimismo es estática y muestra un manejo de ropajes inflados con el viento, lo cual refleja sus cualidades barrocas. El rey parece que observa al cielo.
Sepulcro del Cardenal Richelieu, mármol, 1675-1677
3.3 Coysevoux Antoine
Empleado de Le Brun en Versalles, realizó el gran relieve de estuco del Salón de la guerra, repite el modelo dejado por el busto del rey hecho por Bernini, sin embargo “muestra realismo y sutileza de carácter” que le eran características.
Una de sus obras, “Neptuno”, muestra al rey del océano, es uno de los cuatro grupos comisionados para la ribera del parque de Marly.
Neptuno, mármol, 1705
3.4 Pierre Puget (1620-1694)
Fue un escultor y arquitecto francés, viajó a Roma donde tuvo a Petro da Cortona como su instructor, se consideran a sus obras de las más originales de suépoca en Francia debido a su gran plasticidad y sentimiento
4.Arquitectura
El clasicismo barroco o estilo Luis XIV fue establecido por una serie de artistas liderados por Mansart. Éste estilo alcanzó su cénit con la llegada del monarca antes mencionado, es decir Luis XIV, al poder, siendo Colbert, su consejero, el que montó la administración que apoyaría el poder del rey. Las artes visuales sirvieron para glorificar al gobierno. El primer gran proyecto de Colbert fue el Louvre.
Francia creó un estilo muy singular, la política de Luis XIV se enfocó en mostrar la idea de poder y autoridad, por lo que el estilo barroco tan extravagante, no fue muy adecuado. Se observa por ejemplo, Versailles que muestra un “aspecto rígido”[30] en el exterior, mientras que en el interior la ornamentación es libre.
El Palais du Luxembourg de Salomon de Brosse (1615) determinó lo que sería el estilo barroco clásico francés, las alas laterales fueron tratadas de forma jerárquica, la proyección de la estructura central fue establecida en caso de una torre medieval.
4.1 Mansart (1598-1666)
François Mansart fue el artista que introdujo de forma completa el barroco en Francia, hombre de mucho talento, demostró gran respeto al pasado gótico francés.
A pesar de no haber visitado directamente Italia, la arquitectura de éste país ya había sido llevada a Francia y el barroco había sido adaptado. El estilo barroco fue utilizado principalmente en la arquitectura religiosa, por lo que es difícil saber qué tanto influyó en Mansart, ya que sus edificios más importantes eran palacios, los cuales muestran el estilo Barroco Francés de forma más evidente que el italiano. Algunas de sus obras son Château de Maisons.
Éste edificio ubicado en las cercanías de Paris y edificado entre 1642 y 1650, fue levantado para un funcionario. Muestra en el vestíbulo un efecto lleno de “belleza severa”[31], además de alegre y festiva. En las paredes se observa un estilo puramente clásico, que recuerda el tratado de Palladio. La escultura se utilizó como parte de la arquitectura. El barroco se distingue por las curvas de la bóveda.
Trabajó en Versailles y su estilo se observa en la Iglesia de los Inválidos.
4.2 Urbanismo
El urbanismo parisiense buscaba una uniformidad entre las plazas y las avenidas. Las soluciones surgieron tras varios periodos, en lugar de crearse un sistema. El Rey Enrique IV, fue quien inició la mitificación del monarca, por medio de los monumentos y plazas.
Los monumentos eran el elemento alrededor del cual todo se ordenaba, ejemplos son La Plaza Dauphine, la de los Vogges. Durante el reinado de Luis XIV, tenemos la plaza de las Victoires y la de Vendôme. Podían ser triangulares, rectangulares, circulares y cuadradas. París dejó de ser una ciudad amurallada y se convirtió en una urbe abierta. Rodeada por un anillo de boulevares.
Plaza de Victoires, 1678-1679
Plaza Vendôme, Mansart, 1685-1699 Plaza Dauphine, Petit, fontaina y Manchard, 1607-1614
El palacio de Versailles divide el paisaje sin fin del mundo urbano.
La variedad es dada por fuentes, estanques y canales. Es racional pero a la vez “lírico y festivo”[32]. Es ostentoso, utilizándola gran perspectiva.
A pesar de la apertura de la ciudad y de crear espacios urbanos en contacto con la naturaleza, los edificios destinados a la defensa eran necesarios. Sébastien le Preste de Vauban diseñó Neuf Brisach en 1698.
La arquitectura siguió un clasicismo barroco de influencia italiana. Tenemos las obras de François Mansart y Jacques Lemercier. El espacio está limitado, se divide en varias partes individuales. La cúpula ocupa el centro. Todo está distribuido de manera lógica y racional, lo cual nos recuerda al estilo del renacimiento. El barroco entra en escena por medio de los elementos decorativos.
Hay interacción entre las `partes, la cúpula está elevada con doble tambor, como en Val- de- Grâce, de Lemercier y los Inválidos de Mansart.
La arquitectura civil consistía en el chateau, el palacio, la villa y el hotel urbano.
4.2.1 Val- de – Grâce (1645-1667)
Palacio mandado construir por la Reina Ana de Austria, esposa de Luis XIII, en agradecimiento por el nacimiento de su hijo Luis XIV, se dice que él mismo a la edad de 7 años colocó la primera piedra. La construcción fue iniciada por Mansart y continuada por Lemercier.
Se considera uno de los mejores ejemplos de barroco francés, con armonía entre distintos elementos, líneas curvas y gran ornamentación.
La iglesia, con un esquema general muy italianizante semejante al de los templos romanos de la Madonna dei Monti y Sant'Andrea della Valle, tiene una planta de cruz latina, en la que ante todo domina el gran espacio del crucero cubierto con una cúpula. A este espacio central se abren las cuatro grandes aberturas de los brazos de la cruz y otras cuatro capillas secundarias situadas en los ejes diagonales
El acceso a estas capillas diagonales se hace a través de unos pequeños arcos de medio punto situados en la parte inferior de los grandes machones que soportan el peso de la cúpula, disponiéndose por encima de ellos unos pequeños balcones. Y esta es, más o menos, la articulación empleada para el mismo lugar en la basílica de San Pedro del Vaticano, donde únicamente cambia el que en lugar de arcos de comunicación hay nichos con estatuas.
4.2.2 Jardines
André le Nôtre ( 1613-1700) fue el más grande exponente del urbanismo de jardines se inició con la planificiación de Vaux-le-Vicompte, trabajó en Versailles y Tullerías, donde explotó las “máximas posibilidades creativas”[33]. Se introduce variedad de espacios y de ejes. El eje longitudinal señala el espacio infinito.
La fachada, a primera vista, parece un templo romano, pero observando más a fondo, “las columnas van apareadas”[35], sobresalen la sección central y la final, existen aberturas con forma de arco. Las alas lucen los flancos desplegados hacia afuera. Tiene tres pisos, la parte baja es como el podio del templo. Se observa unidad y da una “impresión global simple y poderosa”[36]. Hay una combinación de “grandiosidad y elegancia”
La obra más ambiciosa de Luis XIV se aprecia la reaparición del barroco. El edificio original construido por Luis III, sólo estaba destinado como una residencia de cacería. El rey Sol , posteriormente lo mandó embellecer, bajo la dirección de Le Vau. De 1668 a 1670, se realizó la construcción. Dentro del palacio grandes salones ricamente adornados, mostraban la grandeza del rey, ejemplo es el Salón de los espejos, que es la obra maestra del palacio, mide 73 m. de largo, 10,5 m. de ancho y 12,3 m. de altura y se completa al norte con el Salón de la Guerra y al sur con el Salón de la Paz. Las 17 ventanas que dan sobre el jardín se corresponden con 17 arcadas adornadas con espejos de dimensiones excepcionales.
4.4 Edificios religiosos
4.4.1Los Inválidos de París
El edificio fue construido por orden de Rey Luis XIV de Francia para los veteranos inválidos de guerra que quedaban sin hogar. Los planos son de Libéral Bruant, y la construcción fue llevada a cabo por Jules Hardouin-Mansart, es el ejemplo de arquitectura religiosa barroca en Francia.
En Los Inválidos observamos columnas en pares. Planta de cruz griega, cuatro capillas en el ángulo. Basada en la diseñada por Miguel Ángel en San Pedro, con modificaciones francesas.
El Santuario ovalado es el elemento barroco. La fachada y la cúpula que es el rasgo “más original y más barroco”[41] Curva sin interrupciones hasta rematar en aguja con linterna. Ventanas que dotan d luz el interior.
5. Conclusiones
El barroco francés tiene varias particularidades que lo hacen diferente al de otros países como Italia o España, para empezar, el pensamiento racional francés, impidió que todas las características barrocas florecerán en su arte, a pesar de que varios artistas fueron influidos por las tendencias italianas, pronto se creó un estilo nacional.
En general, el barroco tuvo como fin la proclamación de la religión, producto de la contra reforma, sin embargo, en el caso de Francia, su principal objetivo fue dar a conocer el poder del Rey.
Parta lograr ésta meta se creó todo un grupo de normas estéticas que ocasionaron en ciertos casos como la pintura, falta de originalidad, a menos que se tratara de artistas fuera de la corte.
Sin duda, donde se apreció más la creación de una corriente artística propia fue en la arquitectura, ejemplos tan espléndidos como Versalles y Los inválidos nos muestran el estilo Luis XIV o barroco francés en conjunto con características propias del barroco presente en Europa como gran ornamentación por ejemplo.
Es un tema muy interesante ya que se puede comparar el estilo barroco de otros países, con el barroco francés.
